Canciones del Ayer: Night and Day de Cole Porter

Cuando hice mi semblanza de Cole Porter el año pasado, mencioné que la biopia del genial compositor había llevado el titilo de su tema más conocido “Noche y Dia”. Para homenajear al poeta Juan Miguel en su onomástico comienzo a reseñar la historia de esta celebre canción.

“Night and Day” es , quizás , el tema más conocido de Cole Porter. Eso que lo escribe a comienzos de los 30 . Los fans de Fred Astaire recuerdan que él lo cantó en el hit de Broadway de 1932 “The Gay Divorcee”(Gay entonces significaba “alegre”) . En 1933,Fred graba una versión en vinilo acompañado de la orquesta de Leo Riesman. Este disco alcanza el primer lugar de Billboard. En 1934, el musical se lleva al cine y es otro éxito para la balada ahora en pantalla bailada por Fred y Ginger Rogers.

Se cuentan muchos relatos sobre como el compositor se inspira para escribir la canción. Yo me quedo con la historia de que lo escribe en unas vacaciones en Marruecos inspirándose en la llamada del muecín a la oración. Definitivamente la música tiene una influencia árabe.

El tema es tan bailable que las orquestas de swing lo convierten en parte de su repertorio. Las primeras serán la de Eddy Duchin,  en USA , seguida por la de Jack Hylton en Londres. Ambas en 1933. A través de tres décadas, las parejas bailarán al son de “Night and Day” gracias a los grandes del swing:  Artie Shaw, Tommy Dorsey y Benny Goodman.

Las mejores voces femeninas—Billie, Ella y Doris—entonarán las estrofas de Porter

Noche y día, tú eres la única

Bajo la luna o bajo el sol

Cerca o lejos

No importa, cariño, donde estés

Pienso en ti noche y día.

Bing Crosby la grabó en 1944, pero “Noche y Dia” está fuertemente vinculada a la voz de Frank Sinatra. Se dice que fue cantando ese tema que Frankie convenció a Harry James de darle su primer contrato. Ya en la Oquesta de Tommy Dorsey, Francis Albert grabaría un arreglo de Axel Stordhal en 1942. Al año siguiente la canción será parte de la banda sonora de  "Reveille for Beverly". Este arreglo sería reemplazado por uno de Nelson Riddle en 1956 . Hay dos versiones más de Ol’Blue Eyes , una de 1961 y otra del 77.

Tan asociadas están Sinatra y “Night and Day” que en My Way , su álbum-homenaje al Chairman of the Board, Willie Nelson la incluye.

“Night and Day” fue un éxito internacional. En 1933, cuando Alemania todavía se preguntaba cómo es que ahora mandaba el Cabo Hitler en el país, el famoso sexteto germano The Comedian Harmonists cantaba “Tag und Nacht”. Fue su última grabación, ya que pronto los nazis les prohibieron cantar en público, y todos los miembros (tres eran judíos y otro estaba casado con una judía) debieron exiliarse.

En 1933, la legendaria Damia prestaba su voz ronca (mantenida según la diva a base de tres cajetillas de cigarrillos diarias) para la versión en francés titulada “Tout le jour et tout le nu

it”.

En Italia no habrá versión en los 30. Se cree que la primera cover fue durante la Ocupación Aliada en 1948. La cantó Flo Sandon y se tituló “Nozze e Giorno”. No he encontrado copia. Lo que encontré fue la versión Claudio Villa de 1970 en la cual, aunque se traduce la letra,  se conserva en inglés el refrán ‘Night and Day”.

Un tropiezo que encontré en este ensayo-trayecto fue la ausencia de versiones en español. Me parecía/parece imposible que no se hayan hecho covers en castellano o que cantantes hispanoparlantes no la hayan interpretado. Finalmente descubrí que Javier Solís la grabó en 1960, bajo el título de “Noche y Día”. Fue incluida en su álbum “Javier Solís en Nueva York”. Si alguien conoce otra versión en lengua castellana, por favor háganmelo saber.

Para los 60, es tanta la popularidad de la balada que los mismos cantantes de la Era del Rock como Brenda Lee y el ídolo de las adolescentes,  Pat Boone,  la incluyen en sus repertorios.

En 1966,  Sergio Mendes y su Brasil 66 le ponen ritmo de bossa nova al tema de Cole Porter y es que la canción va evolucionando y avanza con la historia de la música,  década por década.

En 1970, cuando los Beatles ya se han separado, Sir Ringo Starr saca al mercado su primer álbum de solista,  “Sentimental Journey”. Lo curioso es que se trata de una colección de estándares de Johnny Mercer, Hoagy Carmichael y Cole Porter, entre otros. Algo muy alejado de la música rock/pop de los Cuatro de Liverpool. Sir Ringo diría que quiso inmortalizar las canciones que escuchó en su infancia, entre ellas ‘Night and Day”.

No será el único músico moderno que recuerde el tema de Porter. U2 grabará una cover en 1990.

A comienzos del siglo XXI, las versiones de Michael Bolton, Rod Stewart y del musico country Smoky Robinson presentarán la balada a un público del Tercer Milenio.

Como cierre final,  esta noticia. En octubre del 2021, se espera salga al mercado una nueva colección de duetos de Tony Bennet (quien recientemente ha anunciado su retiro) y la siempre vigente Lady Gaga. Entre las canciones escogidas se encuentra…por supuesto,  “Night and Day”.

Aromas del Ayer: Yardley de Londres

 

Después de Woods of Windsor era casi obligatorio hacerles una reseña a los productos de Yardley de London, la casa de cosméticos y perfumes más reconocida en el Reino Unido y en el mundo entero, pero a medida que repasaba los nuevas fragancias me fui desilusionando. ¿Será que, en su tercer siglo de vida, Yardley ya no es lo que fuera?

Samuel Carver abrió la primera perfumería en el Londres de 1750, aunque su familia juraba que habían tenido una apotecaria durante la Restauración. El negocio original se habría incinerado durante el Gran Incendio de 1666. Tras medio siglo de hacer perfumes, la perfumería cayó en bancarrota en 1823 cuando fue comprada por Charles Yardley.

Esa es una versión.  otra es que William Carver se jugó a los naipes las ganancias de su negocio debiendo vendérselo a William Yardley,  su suegro, un fabricante de espadas. El hecho es que un siglo después de la apertura de la perfumería, los jabones y otros productos Yardley eran tan famosos que fueron expuestos en la Galería de Cristal durante la Gran Exhibición de Londres de 1851.

En 1873, Yardley crearía su más icónico perfume , la English Lavender Yardley, que yo de joven usaba para enjugarme el cabello.  Es diferente a otras aguas de lavanda debido a su ingrediente principal. Los Yardley poseían hectáreas de una variedad muy especial de la flor, la Lavándula Angustifolia.

Las señoras victorianas usarían perfumes importados de París, pero para jabón de baño, usaban el de Yardley. El éxito de la firma llevo a que fuese trasladada a la exclusiva Calle Bond en 1910.

Para la llegada de la Primera Guerra Mundial, Yardley tenía una variedad de perfumes con nombres tan llamativos como Victoria Bouquet (1897) , Nell Gwynn (1910)Enchantress (1912) y Murmullo de Bosque (1913) .

Para 1913, la perfumería Yardley se inclinaría por los semi soliflore comenzando en 1913 con Violetas de abril. En 1914,  tal vez para agradecer la rapidez con la que los australianos habían acudido a la llamada del imperio,  fabricaron Golden Wattle como homenaje al tipo de acacia que es la flor nacional australiana y en 1917 se podía comprar Lotus que poco tenía que ver con la planta egipcia ya que se trataba de lavanda disfrazada.

Acabado el conflicto bélico, Yardley se convirtió en la marca popular de las “Young Bright Things” de La Era del Jazz Británica. El más famoso de ese grupo, El Príncipe de Gales,  otorgó a la firma su primera Garantía Real en 1921. Y es que hasta en Buenos Aires el nombre Yardley era famoso. 

Para celebrar tanta fama, Yardley creo un perfume ‘formal”, no las colonias florales buenas para colegialas que se asociaban con la firma. Se trataba de Bond Street, junto con la Lavanda el perfume más celebre de Yardley. Como fue descontinuado hace poco, yo alcancé a olerlo en la galería de perfumes de mi madre. Era una mezcolanza de olores bastante común, me quedo con la Lavanda Inglesa.

A medida que las chicas ‘decentes ”comenzaban a maquillarse, Yardley creaba más productos de belleza para ellas. A fines de los ’30, nos cuenta Angela Lambert en su 1939: The Last Season of Peace, las jóvenes de la clase alta británica usaban Yardley y no solo humildes polvos talco. Durante la Segunda Guerra Mundial, a juzgar por la publicidad, hasta las mujeres en las fuerzas armadas usaban Yardley.

Sin embargo, serían los ’60 cuando el producto se volvería la marca de cosméticos más importante del Reino Unido con rostros famosos como el de Olivia Hussey promocionando sus lápices labiales y perfumes. Pero la joven intérprete de Julieta no sería el rostro más reconocido de los spots publicitarios.

 Ese honor recayó en una joven pequeñita y flaquita como una ramita (tiwig) que se volvió leyenda global con su figurita de nena y sus enormes pestañas. No solo Yardley capitalizó la figura de Twiggy también pretendió vender pestañas postizas como las de la modelo (que eran verdaderas) .

Incluso Yardley hacia trampa en su afán de tener iconos de la era como rostros de sus productos. Aquí vemos como se aprovechan de la imagen de Los Beatles para vender esta colonia.

A lo mejor esa es una medida tramposa, pero Yardley si se anotó un gol al contratar a Los Monkees para un comercial de Black Label. Es que para los 60, la firma había expandido su clientela y fabricaba productos para varones.

los 70 verían nuevas lociones y los spots saltarían de las páginas a la televisión. En 1972, la entonces desconocida Susan Sarandon le hace propaganda al perfume Daylight Encounter.

Al año siguiente tenemos a Lesley Anne Down, uno de los rostros más bellos del cine ingles de ese entonces, promocionando Caprice.

Y la gran dama de la escena británica, Dame Deborah Kerr, prestó rostro y nombre en 1976 para publicitar el famoso jabón de lavanda.

Para los 80 la marca ya era conocida. yo usaba su lavanda y sus jabones. Aunque también probé el Lirio de valle de 1988.  La Lavanda seguia siendo un favorito incluso en Venezuela omo atestigua este comercial de 1985.

Para fin de siglo estaba claro que Yardley era la perfumería inglesa por antonomasia con su promesa de “oler a un jardín inglés”. Eso explica sus intentos de soliflore como English Rose de 1997 , el Narcissus del 2000 y otros de los que no se sabe el año como Honeysuckle, Peony,  Jazmine y Lilac.  En los ’90 el rostro de Yardley era Helena Bonham Carter, pero a fines de la década varios reveses de fortuna comenzaron a afectar el manejo de una empresa cuyo nombre era leyenda.

En el 2008, la Familia Yardley vendió el negocio familiar a los Jatanias, pertenecientes a una de las cinco familias billonarias de la India. Bajo el patronaje de los Jatanias, los productos Yardley siguen vendiéndose. En términos de perfumería se han agregado nuevos nombres que pasan sin pena ni gloria y se ha cometido el crimen de reformular sus aromas clásicos.

El resultado que la Rosa Inglesa no huele a rosa, ni las April Violets huelen a violeta. ¿Será porque la flor se ha reemplazado con hoja de violeta que no tiene la misma fragancia?

Me compre una crema de lirio del valle de Yardley. Después de un rato el aroma se desvanece y toma su lugar un tufo grasiento repugnante. El Body mist de fresia, una fragancia exquisita, ahora ahoga la flor con cítricos, pimienta y jengibre y al final huele a fijador de cabello.

La peor experiencia es el Bluebell. A mí me encanta el aroma de la campanilla azul. En casa de mi madre a veces asomaban en el jardín para la primavera, pero esta colonia huele a aerosol y me provocó un ataque de alergia tan fuerte que devino en ataque de pánico.

Conclusión, Yardley e quedó en el siglo pasado, las reformulas de su nueva administración son malas copias. No he probado otros productos, pero me imagino (espero) que no hayan echado a perder los jabones.

¿Usaron Yardley alguna vez? ¿Han notado la diferencia entre los perfumes antiguos y los de este siglo?

Temas del Ayer: Runaway/Fugitiva

Aquí viene la segunda parte del regalo del Cumpleañero del Mes. Sir George espero te guste mi exploración de la trayectoria de “Runaway” de Del Shannon. Todo un hit de la Era del Rock que ha ameritado muchas covers en diferentes idiomas y el ser incluida en las 100 mejores canciones de la revista Rolling Stone.

Charlie Westover conocía a Max Crook desde antes de cambiarse el nombre por Del Shannon. Habían sido miembros de la misma orquesta en Michigan. En esa época Del había escrito “Little Runaway” ( Pequeña fugitiva)  y Max había inventado un nuevo instrumento el Musitrom, un cruce entre teclado eléctrico y claviolin.

Fue al agente Ollie McLaughlin al que se le ocurrió  grabar “Runaway” con un arreglo musical del Musitrom, pero que destacase el instrumento por sobre la voz de Shannon La canción fue todo un éxito llegando a ser la numero 1 en el Billboard en abril de 1961, y la quinta del año.  Fue la numero uno de los hit parades de Canadá, Australia, el Reino Unido, Nueva Zelandia y hasta en mi país,  Chile.

También debe haberlo sido en México donde ese mismo año, Los Hermanos Carrión graban la primera cover en español titulada “Se fue”. 

No sería la única versión en castellano. Aquí tenemos “Fugitiva” de Los Milos en España y con otra letra en 1962.

Y en Puerto Rico, Chucho Avellanet graba “Fugitiva” con una tercera letra.

El ’75, la grabó Sabú en la Argentina ¡con una cuarta letra!

“Runaway” tuvo versiones en muchos idiomas el mismo año en que Del y Merrill triunfaban con ella . Una fue “Madchenschreck” en alemán con John Dattelbaum.

En Francia se llamó “Mon amour disparu"y la cantó Orlando

Pero esperen,  esto fue en los 60. En 1974, el cantante holandés Dave se hizo cargo de la música de Max Crooky grabó en francés “Vanina” que se convirtió en todo un éxito.

Tanto que Dave le escribió letra en alemán “Mein Madchen Monika” (Mi chica Monika)

Y en español la llamó “Vanesa” (1975).  

Aunque la letra de la canción se haya reversionado no sabemos cuántas veces, el mérito de “Runaway” reside en su música y muchos artistas han querido experimentar con ese arreglo tan original de Max. De acuerdo con varios sitios el primer instrumental estuvo a cargo de The Chantays en 1962. Otros sitios dicen que fue precedida por The Hunters en febrero de ese mismo año.

Sin embargo, la Wikipedia adjudica el honor del primer instrumental a la Orquesta de Lawrence Welk. Ustedes son muy jóvenes para saber quién era Welk, un famoso acordeonista quien dirigió una orquesta de moderado éxito durante la Era del Big Band. Con el fin de la moda por esa música, Welk se dedicó a tocar polkas (era de origen ucraniano) a la par de estándares románticos.

En 1951 comenzó a producir su propio programa de televisión. Tanto público tenía el “Show de Lawrence Welk” que lo compró la ABC donde permanecería hasta su cierre en 1982.  para mi época, a Welk y su acordeón a veces le daba por crear arreglos de temas modernos, pero nunca le escuché “Runaway” El Show de Lawrence Welk todavía puede verse en canales retros aquí en Usa).

La versión de Lawrence Welk no es propiamente instrumental, ya que hay un tarareo de trasfondo. Lo que en inglés se conoce como “vocalise”.  En una entrevista con Bob Costa, Del Shannon dijo que era su cover favorita.

Concuerdo con él, porque vocalizar es como agregar otro instrumento a la orquesta. Ahora que me han vuelto los ataques nocturnos de pánico, recuerdo que comenzaron al llegarme la meno en el 2006.  Un modo de calmarlos era vocalizar con maullidos ‘Runaway” y cantársela al pobre Mauro que lo único que quería era dormir. Me pregunto que hubiera dicho Del Shannon si me hubiera escuchado.

Acabo de darme cuenta de que no he puesto una muestra de la letra y es porque no la recuerdo. Solo el estribillo “my Little run, run, Runaway” Es un ejemplo de cómo la música es lo que hace memorable a canción.

El mismo Del Shannon ha sido un cambia-letras. En 1967, sacó un cover de su propia canción. En 1986 recibió una pedido de la ABC: reversionar ‘Runaway” para ser el tema de entrada de su serie “Çrime Story” que tenía lugar a comienzos de los 60. Del no tuvo inconveniente y adaptó la letra al contenido de esta serie policial.

Hoy “Crime Story” y Runaway son material de nostalgia, pero que el tema sigue siendo un punto de referencia de su época es innegable. ¿Habías escuchado Runaway alguna vez?

Canciones de Ayer: Al Di La

 

Para la Señora Norah:  celebrando su día, en recompensa por su ultimo combate con los inquisidores de las redes sociales y en espera de su cirugía y pronta mejoría. Para eso , elegí esta balada romántica. Se trata de un tema que en mi infancia causó mucho interés en ambos lados del Atlántico. Tras ganar el Festival de San Remo en 1961 tuvo versiones en casi todos los idiomas europeos, pero ha sido los intérpretes de habla hispana los que han traído a “Al Di La” hasta el siglo XXI.

Carlo Donida y Mogol escribieron este tema que sería defendido por Betty Curtis en el Festival de San Remo en 1961, ganando el certamen. Ese mismo año, Betty representaría a Italia con “Al Di La”  llegando al quinto lugar en el Festival de Eurovisión.

El tema que se traduce como “Mas allá” era tan pegajoso que pronto lo grabarían grandes voces en Italia como Miva, Claudio Villa, Doménico Modugno,  Tony Dallara, quien se había rehusado a competir con ella en San Remo, y Luciano Tajoli. La versión Tajoli alcanzaría el tercer puesto en el Hit Parade italiano.

Sin embargo, la versión más conocida es la de Emilio Pericoli. Es la que llega al público estadounidense gracias al popular filme “Aventura en Roma” con Suzanne Pleshette y Troy Donahue que se casarían después de la filmación.

La química entre ambos actores era patente y mucho mas en esta escena en la que él le traduce lo que Pericoli canta. El ambiente de una taberna romana, la música y la declaración de amor de Donahue usando las palabras de la canción,  la convierten en el desiderátum de las escenas de amor y a “Al Di La” en la perfecta canción romántica.

“Aventura en Roma” es de 1962, pero ya antes el tema había cruzado fronteras y ameritado versiones en otras lenguas. La primera fue de Beti Jurkovic y en serbo croata se llama “Ïznad Svega”. La siguió “Kaikkialla” de Laila Kinnunen que fue grabada en Finlandia.

“Par de La” la versión francesa de 1961 no la he encontrado, pero si la del tenor Luis Mariano de 1962.

En ese año, la hace famosa,  en versión bilingüe,  Connie Francis con la que llega al puesto 13 de Billboard.  Pronto la cantaran italoamericanos como Jerry Vale, Joni James y Sergio Franchi.

En 1964 le toca a Alemania tener su versión en la voz de Margot Eskens:  “Liebelei is leider keine Liebe”.

Se dice que la primera versión instrumental fue hecha en Italia por la orquesta de Giorgio Semprini Jr. De ahí cruza el océano y en America la graba, ente otros,  Xavier Cugat en el ’62. Un año más tarde tenemos la versión del ecuatoriano Pepe Jaramillo en Sudamérica.

No serán los únicos latinos en interesarse en esta canción tan romántica y fácil de traducir al castellano. En 1962 el mismísimo Lucho Gatica prestará su voz para “Más allá”.

En México la entonarán tríos famosos como Los Tres Diamantes y Los Panchos, pero la mejor versión es la de Javier Solís del ’63.

En Venezuela la cantará Mirla Castellanos en el ‘61.

En España no he podido encontrar versión antigua, pero aquí tenemos a Django en la Nochevieja del 2001.

Y los que vieron hace dos años “El Irlandés” de Martin Scorsese, la recordarán de la banda sonora. Se trata de la versión de Jerry Vale.

¿Conocían esta canción?  ¿Cuál es la mejor versión?

 

Aromas del Ayer: White Jasmine de Woods of Windsor

 

Después de la rosa, el jazmín es la flor más aromática y la más usada en la perfumería. Pero pocos perfumes pueden capturar el elusivo aroma de la flor. Si tuviera que elegir el perfume ideal con esta fragancia iría por el Jazmín Blanco de Woods of Windsor. Comencemos entonces hablando de esta antiquísima casa perfumera.

Fue por los 1770 que, a la sombra del Palacio de Windsor, en Berkshire nacía la apotecaria Woods of Windsor que por más de un siglo se encargaría de los perfumes de la realeza. No se sabe cuándo cerró. Lo que sabemos es que, en 1970, el matrimonio,  compuesto por Roger y Kathleen Knowles, compró la vieja farmacia, y al hacer la limpieza encontró un viejo libro de recetas de perfumes.

Armados con este conocimiento los Knowles le entraron al negocio de la perfumería. Su primer aroma en el mercado fue True Rose. Para 1974 ya vendían dos nombres que los han hecho famosos:, lavanda y Lirio del Valle. Todavía pueden comprarse en Amazon

En 1981, los Knowles crearon una colonia para después de afeitarse y siguieron con sus perfumes que parecían soliflores, aunque no lo eran del todo puesto que se le agregaban otras esencias a la principal. Pará los 90, la firma era conocida en toda Inglaterra y la tienda Harrod los tenia de proveedores de sus perfumerías. Así cruzó Woods of Windsor el Atlántico. A mí me llegaba un cataloguito a casa con todos esos perfumes exóticos que juraban ser de orquídea, flor de durazno y el excelente Mimosa, hoy discontinuado.

En el siglo XXI, a la firma le ha ido bien, produce no solo perfumes sino también cremas corporales y de manos, polvos y jabón baño. Tienen un sitio web desde donde se les puede encargar directamente. A pesar de que la mayoría de sus productos se pueden conseguir vía Amazon. En esta última década les ha dado con combinar aromas en mezclas rarísimas: peras con ámbar, bergamota con neroli, y un par que he probado. No recomiendo orquídea azul con lirio acuático. ¡Realmente no huele a NADA! Y la combinación granada e hibisco huele a vino podrido. Mejor se quedan con los soliflores.

En los 80, Woods of Winsor sacó al mercado una colección llamada Flores para las Hadas y uno de esos perfumes era de Jasmín. En el 2002 se reformuló bajo el nombre de White Jasmin.  El jazmín, originario de la China, es un arbusto con flores de aroma exquisito. se cultiva en diferentes tipos Entre las jasminaceas está el exótico jazmín árabe o sambac, el amarillo o italiano, el japones que en ingles se llama primrose, el tremendamente aromático jazmín de España y el blanco que en Australia es considerado una maleza.

 Su nombre viene del persa y significa “regalo de D-s” Verdaderamente es un regalo divino. Es comestible, en el Oriente se usa para perfumar el arroz basmati y una taza de té de jazmín es perfecta para quitarte el dolor de barriga después de una deliciosa, pero pesada, comida china. A pesar de los diferentes colores y nombres, el perfume no cambia mucho de flor en flor.

Mi madre favorecía el Jazmín de España que cultivaba en grandes macetas de greda al aire libre. este jazmín florecía en primavera y principios de verano. yo me llevaba un ramo al cuarto y su perfume me ayudaba a dormir en noches calurosas.

Cuando las flores se secaban, yo las guardaba en frasco para hacer potpurrí con ellas y en aromaterapia el aceite de jazmín sirve para alejar la depresión. oler ese popurrí me lo confirmaba.  El jazmín blanco no es tan intenso como la variedad chilena, pero lo suficientemente aromático para crear un buen perfume.

Aunque muchas fragancias en el mercado juren que su base es este arbusto, no lo parecen. Los mejores son el Jazmín Noir de Bvlgari cuyas bases son el exótico Sambac y que es muy adecuado para las noches de verano. Para los días veraniegos aconsejo los Wild Pikake de Royal Hawaian Perfumes y Waikiki Pikake de Pacífica. Pikake es el nombre que dan en los ares el Sur al jazmín.

Woods of Windsor contiene el suficiente jazmín para considerarse un soliflore Se dice que su fórmula es jazmín e Ylang-Ylang. No es cierto, se trata de una combinación de jazmín con hojas verdes, musgo, sándalo y azahar lo que lo hace un perfume verde, en la categoría de Emeraude y de Bambou.

Los productos Woods of Windsor pueden adquirirse directamente de la tienda online de la firma. Aunque exportan fuera de Inglaterra, no pueden enviar aerosoles al extranjero. EN USA y en España se pueden adquirir en los Amazon locales.

 

Canciones de Ayer: People de Funny Girl

 

Aunque el cumpleañero del mes, mi querido Sir George, me ha solicitado dos canciones, para poder cumplir con su regalo a tiempo, me he abocado primero al tema de Jules Styne, “People”. Escrito especialmente para Barbra Streisand en la obra de teatro Funny Girl, luego sería incorporado a la banda sonora de la adaptación fílmica. Funny Girl es una biopia de la cantante-actriz y comediante Fanny Brice y para mí es la obra máxima de Streisand, la que la catapultó a la fama.

                                                   Fanny Brice

Esta pieza de 1964 tuvo un memorable repertorio de canciones con letra de Bob Merrill y música de Jules Styne. Nacido en Inglaterra, de padres judíos ucranianos, Styne acarreaba un imponente currículo de musicalización de filmes de Hollywood. En Broadway ya era conocido por el score de Los caballeros las prefieren rubias y Sugar. Detrás de la producción de Funny Girl estaba Ray Stark, yerno de Fanny Brice y un libreto Mi Hombre escrito por Isabel Lennart.

Originalmente el rol iba ser para Mary Martin, cuya voz reinaba en Broadway, pero era muy guapa y como aconsejó Stephen Sondheim a Styne, “hay que buscar una chica judía”. Lo mismo les dijo Carol Burnett cuando se le acercaron ofreciéndole el papel. La leyenda cuenta que Styne encontró a su protagonista en un tugurio de Greenwich VIllage, en una comediante feíta, narigona, y muy desastrada.

Barbra Streisand era perfecta para el papel porque Funny Girl es la historia de una chica poco agraciada que triunfa a pesar de que, le han dicho madre y vecinas, que el teatro musical es solo para las guapas. Funny Girl fue un mega exitazo y estuvo nominada en todas las categorías del Tony. Cuando un año más tarde, abría la pieza, con Streisand liderando el elenco, en el West End londinense, había nacido un éxito teatral y una estrella internacional.

Funny Girl no solo describe el ascenso de Fanny Brice en las revistas musicales de Flo Zigfield, también su romance y matrimonio con el mundano jugador profesional Nick Arenstein. El clímax es cuando Nick es acusado de estafa y Fanny ve su carrera manchada por el escándalo provocado por su esposo. Los grandes temas de Styne giran en torno a ese romance, desde la explosiva “Don’t Rain in my Parade” que Fanny canta para hacer callar a quienes la aconsejan olvidar a Nick, hasta mi favorita, “Sadie, Sadie”, que ilustra la existencia de cuento de hadas del primer año de casada de la protagonista.

“People” es parte de la primera etapa del romance. Fanny se la canta a Nick como un descubrimiento de su amor y de la posibilidad que ese sentimiento sea compartido. Es una canción increíble porque se apoya en la repetición de las mismas palabras, es un lenguaje que podría sonar torpe si no lo acompañara la urgencia de un primer amor.

 

People, people who needs people

Are the luckiest people in the world

We are children

Needing other children

And yet letting our grown-up pride

Hide all the need inside

Acting more like children than children

Lovers are very special people

With one person, one very special persona

A feeling deep in your soul, a feeling says

You were half and now you are whole…

 

Gente, gente que necesita gente

Es la gente más afortunada del mundo

Somos niños que necesitamos de otros niños

Pero dejamos que nuestro orgullo de adultos

Esconda adentro nuestra necesidad

Actuando más como niños que los verdaderos niños.

Los amantes son gente muy especial

Con una persona, una persona muy especial

Un sentimiento en lo profundo de alma

Un sentimiento que te dice que eras una mitad y ahora estas completo.

 

 

En 1968, a versión fímica llegó a las pantallas, con Barbra ahora convertida en estrella de cine y con el galán egipcio Omar Sharif como Nick.  William Wyler se encargó de dirigirla. Al repertorio musical se le agregaron dos piezas asociadas con Fanny Brice, “Second-Hand Rose” y “My Man”, pero se conservó todo el score de la obra original, incluyendo “People”.

La filmación tuvo sus tropiezos siendo el mayor La Guerra de los Seis Días. En Egipto se habló de quitarle la ciudadanía al actor ya que les parecía ofensivo verlo de romance con una actriz judía en pantalla cuando en la realidad, egipcios y judíos se batían en el campo de batalla. Sé pensó entonces despedir a Omar Shariff, pero tanto Wyler como Barbra amenazaron con irse ellos si le hacían ese desaire al actor egipcio. Primó la cordura, por suerte porque la química Sharif-Streisand es tremenda.

Por fin en 1968 debutaba en el cine. Seis nominaciones al Óscar recibieron llevándose Streisand una estatuilla como Mejor Actriz. En Chile la dieron para mayores de 14 años así que mi Ma la fue a ver sola y luego me la contó. Ahí inició ella un Girl-crush con Barbra: “fea, narigona, ¡pero como canta!”

Aunque yo no la llegué a ver sino hasta los 70, la considero el triunfo más grande de Barbra Streisand, un filme que como dice Joyce Antler en Talking Back: Images of Jewish Women in American Popular Culture, cambió la imagen de la mujer judía en el cine. Además, “Funny Girl “es una representación de lo que el sueño americano era para las minorías étnicas.

Me sorprendió descubrir que ‘People” ha sido versionada por muchos cantantes famosos, pero principalmente por voces femeninas pertenecientes a afroamericanas como Dionne Warwick, y Ella Fitzgerald que la grabaron casi simultáneamente con Barbra. En 1969, la Reina del Soul, Aretha Franklin,  prestará su voz para el tema de Funny Girl. Sin embargo, se dice que la única versión que puede rivalizar con Streisand fue la de Diana Ross y Las Supremas de 1965.

El cine populariza esta canción en el mundo entero. Sin embargo, aun antes de que saliese la película, en España, Augusto Algueró le escribe letra para a cantante Francizka. Por motivos de copyright no existe en YouTube un video de ese cover. Aparentemente nunca más se haría una versión en español, pero cantantes chicanos como Andy Williams y Trini López la grabarían en inglés y en el 2012 la orquesta de Arturo Sandoval acompañaría al cantante invidente Stevie Wonder en una presentación en vivo, en un tributo a Barbra Streisand. 

En respuesta, en el 2014, la diva invitó a Stevie a acompañarla en un dueto de su disco “Partners”.

Volviendo a covers internacionales. En Italia la han cantado grandes de la canción como Mina y Jula De Palma, pero la versión original de ‘Gente” la grabó Ornella Vanoni.

En 1969 nos llega una versión bien a go-go de Francia, “Les gens” de Les Flechettes.

En 1976 llega Josipa Lisac a cantar “Ljudi” en croata. Habrá versiones en checo, húngaro y en alemán ‘Menschen” en 1981.

Lo curioso es que yo la conocí en 1972 gracias a la telenovela argentina “Nino” donde lo usaban como el tema del romance de la millonaria Claudia Sánchez Escurra (Stella Maris Closas) y su proletario marido Víctor (Arturo Puig). Se trataba de una versión puramente instrumental.

                                            Claudia y Victor

La primera versión instrumental fue el ‘64 de Laurindo Almeida. Pronto habría versiones grabadas por famosas orquestas del Big Band como las de Count Basie, Sammy Kahn y Stan Kenton.  También de los especialistas en instrumentales bailables como Mantovani, Kotelanetz y Carmen Cavallero.

En el mundo latino también habría versiones instrumentales como la de la orquesta española de Johnny Miranda.

O monoinstrumentakes como la del pianista mexicano Omar Ríos.

Pero tras mucho buscar determine que la usada en la banda sonora de “Nino” fue la de 101 Strings del 69.

“People”, en voz de Streisand u otra voz, cantada o bailada, se ha vuelto inmortal. Para muestras, el año pasado en plena pandemia, la cantó JLO para un público virtual. ¿Cuál es tu versión favorita?

 

Música del Ayer: It Had to Be You

 

 A fines de Los Ochenta, toda una generación conocería  este tena, fuera en la voz de Frank Sinatra o la de Harry Connick Jr., gracias a “When Harry Met Sally”. Pocos saben que la canción fue escrita por Gus Khan en 1924.Y ahora me entero de que mi gran amiga y condiscípula, Ellen W.R, la asocia con su boda y su historia de amor. Por eso la recordaremos en este mes en que cumple años,  no diré cuántos, pero que nosotras también cumplimos 30 años de amistad.

Gus Khan ha sido considerado un compositor menor de Tin Pan Alley, quizás porque murió joven, quizás porque fue contemporáneo de gigantes como Los Gershwin, Cole Porter e Irving Berlin, pero su contribución al Gran Álbum de la Canción Americana es indudable y no es menor. Nacido en Alemania, de padres judíos, Khan inmigró a Chicago en 1890. 7años más tarde ya estaba componiendo. Su primer mega éxito fue “Petty Baby” en 1916.

Durante los años 20, Khan alternó su trabajo en bRoadway con la composición de letras románticas, pero ligeras como “Toot, Toot, Tootsie”, “Äin’t We Got Fun” y otro mega éxito que escribió para el musical Whoopee y que Eddie Cantor haría famosa en el mundo entero.

Sin embargo, Gus Khan escribiría canciones realmente románticas inspirado por su esposa, la también compositora, Grace le Boy. Para ella escribiría " Dream a Little Dream” del que ya les hablé anteriormente, y  “Love Me or Leave Me”, que Doris Day inmortalizaría en el biopia del mismo nombre sobre la cantante Ruth Etting.

En los Años 30, Gus Khan se dedicó a escribir temas para el cine hasta1941 cuando  su carrera se truncó por un fatal infarto. Hollywood lo inmortalizaría un par de años después de su muerte con una biopia “I’ll See You in my Dreams” donde Doris Day hizo de Grace y Danny Thomas interpretó a Gus Khan.

“It Had to Be You” corresponde a las canciones de amor “serias” de los 20. El músico Isham Jones había recibido de su esposa,  como regalo de cumpleaños,  un gran piano y para estrenarlo escribió esta melodía. Al escucharla Gus Khan le puso letra.

Acabo de enterarme que la versión original fue solo instrumental y la grabaron The Ambasadors, luego la grabaría la misma orquesta de Isham Jones con Marion Harris como vocalista. Curioso es que Khan la escribió (como toda su obra importante) inspirado en una mujer, su esposa, pero han sido más mujeres las que la hicieron famosa en sus primeros sesenta años de vida. Yo creo que es porque la canción es aplicable al sentir de todos los géneros.  Vamos,  no la primera estrofa que es un poco repetitiva “tenías que ser tú, Tenías que ser tu”. Pasemos a la ilustrativa segunda

Some others I’ve seen, might never be mean

Might never be cross, or try to be boss,

But they wouldn’t do

For nobody else gave me a thrill,

With all your faults, I love still

It had to be you, Wonderful You,

It had to be you.

Otros que conozco puede que nunca sean malos conmigo

Nunca se enfadan, ni tratan de darme ordenes,

Pero no me sirven

Porque nadie más me dio esa pasión

Con todos tus defectos, te amo todavía,

Tenías que ser tú, maravilloso tú,

Tenías que ser tu

Aunque los grandes voces del jazz y canción popular masculinas la han hecho suya,  “It Had to Be You” ha sido un estándar femenino. En los años 30 la grabaron orquestas de mujeres como Valaida Snow y Dorothy Lamour. La han cantado mujeres de todos los colores Doris Day, Billie Holliday, Patti Page, Liza Minelli, Seiko Matsuda y por supuesto Barbra Streisand que en el 2014 graba un dueto con Michael Buble.

" It Had to Be You” ha formado parte del mundo del cine desde el inicio de cine sonoro y en ese medio la han entonado actrices desde Ruth Etting en “Melody of May”  hasta Diane Keaton en “ Annie Hall”.

Aunque por supuesto quienes evocamos el fin de siecle, la recordamos o en versión Harry Connick Jr.  o la de Frank Sinatra, ambas fueron parte de la soberbia banda sonora de “When Harry Met Sally”.

Sinatra había grabado el tema de Gus Khan a comienzos de los 40 en su etapa de vocalista de la orquesta de Tommy Dorsey. Una versión que cayó en el olvido opacada por tantas otras que la siguieron, pero a fines de los 80s, OL’Blue Eyes la remozó en un arreglo de Bill May que sería parte icónica de la ya icónica comedia romántica de Nora Ephron.

“When Harry Met Sally” hizo conocida “It Had to Be You” para toda una generación de personas de fines del siglo XX, pero eso es un suceso recurrente, ya que en cada década se levantan voces dispuestas a recrear una canción que no pasa de moda. Por ejemplo, la primera generación adolescente de  este siglo la recordará por haberla oído en una de sus series más conocidas, “Melrose Place” y era la versión interpretada por Ray Charles.

Mi generación la oyó en la poco probable voz de …John Travolta. Efectivamente, convertido en un Teen Idol gracias a su participación en el sitcom “Welcome Back Kotter” y a pasos de hacer historia en el cine con su “Fiebre de un sábado por la noche” Travolta se le ocurrió grabar un disco de canciones románticas para sus ardorosas fans. por supuesto, incluyó ese estándar.

Pero para mí la versión más sorpresiva fue la que Robert Zimmerman grabase en el 2016. Recién galardonado con el Premio Nobel de Literatura, Bob Dylan grabó esta canción. Hay algo de homenaje simbólico en haberlo hecho, al menos todos los fans de la letra de Gus Khan lo notamos.

He hablado de la letra de la canción, pero no nos olvidemos de la música de Isham Jones. Hay docenas de versiones del instrumental. una de mis favoritas es la de Artie Shaw de 1944.

Pero la mejor es la de la guitarra de Django. “ El gitano de los tres dedos” como lo apodó Sean Penn en “Sweet and Mellow” grabó esta versión junto al infaltable violín de Stephan Grappelli.

Normalmente, este tipo de exploración busca covers en diferentes idiomas. Se sabe que “It Had  to Be You”  tuvo una versión en alemán y otra en francés, pero aparentemente la inquisición del copyright ha impedido (o borrado) su ingreso a YouTube. Por suerte si encontré las covers en español. La primera es de Alberto Vásquez de 1964. La otra es de Bertín Osborne en el 2015.

Por último, quería hablar del impacto de “It Had to Be You”  en la Era Millenials adonde ha llegado vía series de televisión. Los Whovians la han conocido gracias al episodio del Dr. Who, “The Empty Child”.

Tony Bennett hizo un dueto con Carrie Underwood que puede oírse en el trasfondo de la serie favorita de mi hermano “Blue Bloods”.

Pero mi favorita es el cierre de “Drop Dead Diva” cuando Jane se encuentra con la reencarnación de Bill, su novio muerto.

Como ven está presente en todos lados. ¿La habías oído tu alguna vez? ¿En qué versión?