lunes, 12 de abril de 2021

Aromas del Ayer: Chanel, Los Nazis y la Perfumería Francesa

 


Ya una vez le hablé sobre Madame Gres y su misteriosa sobrevivencia en el Paris Ocupado, pero no es el único eslabón entre la perfumería y el Holocausto. Desde la triste historia de la heredera de Van Cleef &Arpels hasta la “Agente Westminster”, mejor conocida como Coco Chanel, la historia de la perfumería francesa se entrecruza con la de la Segunda Guerra Mundial.

Para fines de los años 30, la capital definitiva del perfume mundial era Paris. La perfumería italiana apenas rozaba el nivel galo. Nada más que en 1939 las grandes marcas del perfume francés sacarían al mercado nombres como Balalaika de Lucien Lelong, Doña Sol de Renoir, Confetti de Lentheric, Alpona de Caron, Courage de Bourjois, Cordon Noir de Coty, y Transparence de Houbigant.



Un año más tarde, Paris es ocupado y las grandes casas parecen de luto.   Solo Coty y Chanel sacan perfumes ese año. No es de sorprender, ambas firmas son un símbolo de la colaboración con los alemanes.

Coty está bajo el amparo del Mariscal Pétain. Su presidente Ferdinand es diputado del gobierno de Vichy. Como tal deberemos verlo como cómplice de sus crímenes. A Coty eso lo tiene sin cuidado, lo importante es seguir creado fragancias, entre ellas la fantástica Muguet de Bois (1942). Con el tiempo he tenido que perdonarlo porque su Emeraude es uno de los pocos aromas que no me provocan alergias. Chanel es otro cuento.



La Agente Westminster

Desde la lujosa suite del Hotel Ritz, donde la ha instalado su amante alemán, Coco maneja su emporio. En 1941 crea Mademoiselle Chanel. A pesar del poder que ha adquirido al tener por amante al Barón von Dinklage, todo un jefe de espionaje, Chanel dejará atrás la perfumería y los diseños. ¿Será porque a partir de 1941 tiene que despedir a todo su personal judío y ya no le quedan empleados? No es que esto le arranque lágrimas. Desde antes de sus amores con el Duque de Westminsterel mayor antisemita de las Islas Británicas la modista ha vocalizado su judeofobia.

                          Coco y el Duque de Westminster

Ser antisemita no le ha impedido contratar judíos o echar mano a inversionistas de origen hebreo cuando los necesita.  En 1924, Chanel N° 5 ha aparecido en el mercado gracias a los auspicios económicos de La Familia Wertheimer. El contrato estipula que los Wertheimer recibirán la mayor parte de los ingresos. Eso disgusta a Coco que decide aprovechar sus buenas relaciones con las fuerzas de ocupación para “arianizar” la perfumería de los Wertheimer y quedársela ella.

No cuenta con la astucia de sus antiguo financistas. Antes de huir a Estados Unidos, han puesto el negocio a nombre de Félix Amiot, un caballero ario. Los Wertheimer envían a un espía inglés llamado Herbert Thomas a Paris. Bajo el alias de Don Armando Guevara y Sotomayor, Thomas sustrae la formula del Chanel N°5. Así los Wertheimer pueden continuar la fabricación del aroma en un laboratorio de Nueva Jersey.

                                   Coco y Pierre Wertheimer

La mala noticia exaspera a Chanel y probablemente le quita las ganas de seguir trabajando en su rubro. En 1941, como describe Hal Vaughn en su Sleeping with the Enemy (Durmiendo con el enemigo), la coutourier entra en otro negocio, el del espionaje. Mas tarde dirá que lo hizo para liberar a su sobrino de un campo de prisioneros de guerra. Lo cierto es que Coco se convertirá en una agente nazi con el número de serie F-7124 y el alias “Westminster” en honor a su antiguo amante.



Spatz, el apodo de von Dinclage, pone a su amante en contacto con otro colaborador, el Barón de Vaufreland. La pareja parte a Madrid. ¿La misión de “Westminster”? Contactar conocidos en el mundo de la alta costura y recaudar información que sea útil a los nazis. Mas o menos lo que hace Sira Quiroga en “El tiempo entre costuras”, pero en reversa.

Nadie sospecha de esta mujer que, a sus 57 años, sigue conservándose guapa y elegante, y que es reconocida mundialmente. En Madrid, Chanel almorzará con un diplomático inglés, Brian Wallace. Nadie piensa mal. ¿Acaso Chanel no es amiga del embajador inglés Sir Samuel Hoare? No se sabe cuáles fueron los resultados, pero el sobrino es excarcelado y la modista queda en la nómina de la Abwehr.



En 1944, un oficial de la Abwehr, el Conde von Ledebur-Wicheln se pasa al campo Aliado. Entre los datos que proporciona están los de una entrevista que tuvo lugar en 1943 entre Coco Chanel y el mismísimo Heinrich Himmler. ¡Y en Berlín! Ese encuentro propició otro viaje de Chanel a Madrid.  Ahora a ver si los Aliados estarían dispuestos a firmar una paz separada. Los términos de Himmler no gustaron a Churchill y no hubo trato.

En julio de 1944, Paris es liberado. Chanel se pone a venderle perfumes a los soldados Aliado, pero es arrestada por los Fifí, los escuadrone de la Francia Libre que andan a la caza de colabos. A Chanel la sueltan casi inmediatamente. Ni siquiera la trasquilan como han hecho con otras “colabo horizontales”. Se dice que Winston Churchill ha intervenido a favor de ella.

Chanel no es tonta. Aprovecha el respiro y huye a Suiza donde ya se ha refugiado Spatz. Vivirán juntos hasta 1954, año en que la modista se atreve a regresar a Paris. Ya la guerra es algo olvidado para el Beau Monde que está feliz de que Chanel vuelva a vestir a sus mujeres.  Incluso, tras llegar a un acuerdo legal con los Wertheimer, resucita su perfumería.

                                 Coco y Spatz en Suiza

Sin embargo, Chanel no ha cambiado. Se ha vuelto gruñona y tiránica con la edad. Poca gente quiere acercársele. Tampoco se ha deshecho de sus prejuicios. En una charla con el autor Paul Morand, quien escribiría sus memorias bajo el título de The Allure of Chanel, Coco da rienda suelta a su homofobia. Estando en Suiza, le hace a Morand comentarios como que los homosexuales quieren ser mujeres “y lo hacen pésimo “y “He visto muchas mujeres arruinadas por cupla de estos queers”.  Su mayor queja es en contra de los diseñadores gays, lo que nos lleva a un secreto a voces.

Durante la Ocupación, cuando la homosexualidad era un crimen que los nazis castigaban con deportación a campos de concentración, Chanel confeccionó una lista de sus colegas con tendencias gay. Al único que eximió fue a Balenciaga cuyo trabajo admiraba. Nunca sabremos si les mostró su lista a sus jefes nazis o se arrepintió, pero el solo crearla demuestra el poder de su homofobia.

Renee-Rachel, la Heredera Olvidada

Muchas firmas perfumeras judeo-francesas siguen el ejemplo de los Wertheimer, y trasladan sus negocios al Nuevo Mundo. Weil es uno de los mejores ejemplos, pero también Ernst Daltroff el dueño de la célebre marca Caron. En 1940, el judío Daltroff se instala en Manhattan, allá produciría uno de sus perfumes más icónicos, Royal Bain, que viene en un envase que recuerda una botella de champaña.



No todos los grandes empresario judíos tuvieron esa suerte de poder huir. Un dicho de la postguerra parisiense que Roger de Peyrefitte recoge en sus Les Juives es “Los judíos pobres se fueron a Auschwitz, los ricos al Waldorf-Astoria en New York”.

En los 80 probé, por un tiempo, el famoso First de van Cleef& Arpels. Nunca me gustó mucho a pesar de que era el primer intento de la afamada marca de entrar al mundo de las fragancias. Van Cleef& Arpels es un nombre legendario que por más de un siglo ha sido asociado con la joyería fina. Alfred van Cleef, un judío de los Países Bajos fue el fundador de la firma en conjunción con su tío Salomón Arpels, un mercader de Gante. 

Alfred estaba casado con Esther Arpels y su hija Renee-Rachel tenía diez años, cuando su padre y su abuelo abrieron la primera joyería en Paris, en la Plaza Vendôme cerca del Hotel Ritz. Tras la muerte del Abuelo Salomón, los Tíos de Rachel se unieron al negocio que, ya para los años 20, era conocidísimo dentro y fuera de la fronteras de Francia. La firma ganaba premios en exposiciones y fueron encargados de la manufactura de la corona de la Reina de Egipto.



Durante la Primera Guerra Mundial, Esther destacó como enfermera en el Hospital Rothschild. Ahí conoció un joven teniente Emile Puissant y se lo presentó a su hija. En 1917, Renee-Rachel se convirtió en Madame Puissant. El final de la guerra encontró a Emile en el puesto de director artístico del emporio joyero del suegro, un puesto que ocuparía hasta su muerte prematura en un accidente automovilístico en 1926.

A pesar de que Renee o “Nanette” como la apodaban tendría una relación amorosa en su viudez con un judío sefardita llamado Elie Scalie, su gran amor sería el negocio de su padre. A partir de la muerte de Emile, Renee ocupó su puesto de director artístico. Pronto demostró sagacidad para los negocios cal igual que talento para el diseño de joyas.

                                          Renee-Rachel van Cleef

Fue la inventora del fantástico y olvidado minaudiere (mi mamá tenía uno), una pieza en la que una dama podía cargar todo lo importante: sus cigarrillos, su encendedor, su polvera y hasta su lápiz labial. También Renee inventó algunos diseños audaces como el collar ‘flexible” que creó para su mejor clienta, la Duquesa de Windsor.




A la muerte de Alfred Van Cleef, en 1938, su hija se convirtió en la “patrona” de un negocio millonario, pero todo cambiaria con la derrota de Francia en 1940. Los Arpel se refugiaron en Nueva York donde abrieron una oficina en el Rockefeller Center. Renee no quiso abandonar Francia. todos sus esfuerzos estaban encaminados a proteger su firma. Para evitar que los nazi se la quedaran la puso a nombre de un amigo, el conde Paul Leseluc.

Solo entonces planeó su escape. Su intención era cruzar España hasta llegar a Portugal, pero fue devuelta en la frontera española. Otro intento de huir a Argelia también fracasó. Esther, madre de Renee, se ocultó en un pueblecito de la Riviera, pero su hija se había instalado en Vichy y había abierto una joyería en la calle más céntrica.

1942 fue un año clave para muchos judíos como Renee-Rachel que se consideraban por encima de reyes raciales. Primero vino el cierre de su tienda por órdenes de Pétain. El Mariscal solía pasear a pie por la calle y no le gustaba ver tiendas judías. Luego, Renee fue expulsada del hotel donde vivía y debió buscar refugio en una pensión de cuarta.



El golpe de gracia llegó en noviembre de 1942. Después del desembarco Aliado en África del Norte, los alemanes invadieron la Francia de Vichy e impusieron sus leyes raciales, sin miramientos de clase o fama. Renee recibió órdenes de presentarse en la comisaria más cercana para inscribirse como judía, recibir su estrella de David que debería usar siempre sobre sus prendas exteriores, y escuchar todas las prohibiciones que afectaban a la población de origen israelita.

Mas allá de la humillación, para Renee estaba claro que estas medidas precedían a la deportación a Polonia y los campos de la muerte. Presa de la desesperación, se arrojó por la ventana de su cuartucho de hotel. Su cuerpo fue enterrado en una fosa común. Después de la guerra, Esther Van Cleef recuperó el cadáver de su hija y lo hizo enterrar en el Cementerio Israelita al lado de Alfred.

Con Renee murió la estirpe van Cleef. De ahora en adelante, la famosa joyería quedaría en manos de los Primos Arpels que tuvieron el buen juicio de huir a America. Fue bajo sus auspicios que la firma entró en lo 70 al negocio de la perfumería.

 A Renee, le hubiese gustado mucho involucrarse en se aspecto tan refinado del negocio, pero para entonces había sido olvidada. Ha sido en estos últimos años que su triste historia ha sido recordada primero por un libro en francés (Renee-Rachel Van Cleef la olvidada de la Plaza Vendome) , luego por la amplia mención que Anne Sebba hace de ella en Les Parisiennes su extenso estudio de las francesas bajo la Ocupación.





La historia de Renee-Rachel Van Cleef y la de Coco Chanel son las do caras de esos tiempos. Ambas mujeres de mundo, exitosas empresarias, dedicadas a negocios que ensalzaban la condición femenina, pero la bota masculina del nazismo cambió su vidas.

 

 

 

martes, 30 de marzo de 2021

Música del Ayer: House of the Rising Sun

 


Es un ejemplo de la música folclórica del Sur de los Estados Unidos. Sin embargo, la hizo famosa un grupo de la Invasión Inglesa del Rock de los 60. Se cree que está inspirada en un burdel de Storyville y el año pasado Donald Trump la usó en uno de sus rallies políticos. Mas importante que todo, “House of the Rising Sun” es la canción que nuestra Latina del Ayer, Lorena, ha solicitado para homenajear su cumpleaños de marzo.

El año pasado cuando Trump usaba el tema en sus campañas, Eric Burdon, vocalista de The Animals lo amenazó con una demanda por usar la canción sin permiso. Aunque es cierto que la versión más conocida de “House of the Rising Sun” es la del conjunto inglés, este tema es más antiguo y posiblemente pueda ser considerado de dominio público.

Se cree que su origen posiblemente esté en la America Colonial. Hay versiones para ser cantadas por mujeres que narran la tragedia de una joven atrapada en un lupanar de Nueva Orleans. En cambio, las versión “masculina” alude a un chico cuya perdición llega por ser cliente de dicho establecimiento. Hay teorías de que La Casa del Sol Naciente es un eufemismo para un hospital donde atendían a los sifilíticos.



Se cree que el burdel original estaba en la Calle Conti en Le Vieux Carré y que se incendió en 1820. La versión más difundida es que estaba/está en la Calle San Luistambién en el Barrio Francesy que era regentada por Madame Marianne Soleil Levante (sol naciente o Rising Sun). Este establecimiento cerró (los vecinos se quejaban del bullicio) en 1874, pero se cree que el edificio todavía está en pie.

Los recolectores de baladas folclóricas encontraron la canción en pueblos mineros a comienzos del Siglo XX. Se la conocía entonces como “Rising Blues” y así la grabaron comercialmente en 1933 la pareja Ashley&Foster. No se parece a la que conocemos, ¿verdad?  



Tampoco la de la gran Libby Hollman en 1942.



La de Pete Seeger de 1958 ya se va acercando. Curiosamente la letra se refiere a una chica moderna (hasta usa jeans).









En 1960, la cantante sudafricana Miriam Makeba (la autora del Pata-Pata) presta su hermosa voz para la letra definitiva. El arreglo musical es muy leve casi incerpetible para realzar la voz de Makeba.



Se parece mucho al arreglo de 1961 de Joan Báez.



Ese mismo año, Bob Dylan decidió meterle mano al tema y también meterle guitarra eléctrica. Es la primera vez que podemos reconocer el tema como lo hemos oído tocado por músicos de generaciones posteriores. Lamentablemente esta versión fue poco difundida y cuando Los Animales sacaron la suya, más de un Karen chilló “plagio”. ¿Se imaginan a Dylan plagiando?



Y llegamos a 1964. The Animals conocían el tema como una balada folclórica, decidieron modernizarla y así nacía el primer éxito del folk rock y también la letra más famosa.

Hay una casa en Nueva Orleans

Se la llama del sol naciente

Ha sido la ruina de muchos pobres chicos

Y yo, D-s, soy uno de ellos.

“House of the Rising Sun” se volvió un éxito de ventas llegando a ser la número uno ese año en Estados Unidos, Canadá y Gran Bretaña. Aunque ha habido muchas versiones posteriores, todas parecen seguir la pauta del arreglo de 1964. ¿Será por eso por lo que Burdon considera que son The Animals los dueños de la canción?





Ahora voy a ponerles, las mejores versiones de los últimos tiempos. La primera es de Dolly Parton quien prestó su Do de pecho para su interpretación de 1980 y que le puso un cierto toque de disco que no corresponde ni a la tradición folclórica de la canción ni al estilo country de la cantante tejana.



Luego está la versión de Sinead O’Connor de 1994 que ya parece una balada gaélica donde la voz es el instrumento principal discretamente seguida por acordes de guitarra.



Dos años más tarde era el turno de Bon Jovi quien parece apoyarse en la versión de The Animals con esa música metálica.



Y eso nos lleva a la versión metalera de Metallica grabada en el primer año de la pandemia. Como buenos metaleros crearon una versión un poco siniestra, digna de Halloween, pero tiene su deuda con lo que hicieron Los Animales en 1964.



No debería sorprendernos. Fue la versión de The Animals la que recorrería el mundo. El mismo año en que “House of the Rising Sun” coronaba los hit parades del mundo angloparlante, ya en Europa había versiones en croata y fines. En Francia, el ídolo Johnny Hallyday interpretaba su versión titulada “Le Penitencier”, pero ese mismo año, el marido de Silvie Bartan cantaba “Das alte haus in New Orleans “(La vieja casa en Nueva Orleans) en alemán.



1965 vería la balada colonial cantada en polaco, checo y catalán. En Italia la interpretan Los Marcellos Ferial y se llama “La Casa del Sole”..



En 1967, llega la misteriosa casa a la China y en 1971 tendrá su versión japonesa en la voz de Maki Asakawa.



Y ahora le toca, le toca.. a las covers en nuestro idioma. Pues cuenta la leyenda, que la primera vez que La casa del sol naciente entró en el imaginario popular hispánico fue en 1964, gracias al conjunto barcelonés Lone Star.



Un año más tarde, ya estaba en America Latina donde la interpretarían nada menos que Estelita Raval y los Cinco Latino. Cruzó la cordillera y en Chile la grabaron Los Iracundos. Esa fue la versión que conocí yo. Pero mi favorita fue la de Sandro de America.





Así la balada se convertiría en estándar roquero latino y en algún momento se la olvidó. tuvo que ser Alejandra Guzmán quien la resucitara en 1991. Desde entonces nadie ha superado este cover de La Reina del Rock Latino.



lunes, 15 de marzo de 2021

Música Latina del Ayer: Maria Grever

 


En este Mes de la Mujer quise dedicar un post a una gloria de la Música Latina del Ayer. La primera compositora de música popular latina en alcanzar fama internacional. Me refiero a la Señora Maria Grever. ¿No conoces su nombre?  pues estoy segura de que has oído alguna de sus canciones.

Maria Joaquina de La Portilla Torres nació en Guanajuato, México, en 1885. Hija de padre sevillano y madre mexicana. Maria Joaquina nació en la hacienda San Juan de los Otates, propiedad de su abuelo materno. Cursó sus primeros estudios en el Sagrado Corazón de León y ahí dio muestras de precocidad, al componer su primera pieza musical, un villancico para una representación navideña.

En 1896, la Familia Portillo se instaló en Sevilla. Maria Joaquina no volvería a México sino hasta el siglo XX. En Europa aprendió a tocar el violín y estudió piano bajo la guía de Claude Debussy. A su regreso a México, continuó su instrucción musical en una escuela de solfeo que dirigía su tía Cuca Torres en el Distrito Federal.

A los 22 años, Maria contrajo matrimonio con el ingeniero León Grever que trabajaba para una compañía petrolea estadounidense. La Revolución Mexicana forzó el traslado de los Grever y sus dos hijos, Carmen y Charles, a Estados Unidos. Allá Maria obtuvo la ciudadanía estadounidense y se dedicó a trabajar en diferentes rubros. 


                               Pasaporte de Maria Grever y sus hijos

Grabó discos como cantante, escribió canciones y hasta musicalizó películas del Hollywood silente. Llegó a dirigir una orquesta compuesta solo por varones y fue representante de artistas latinos en USA. El hecho de ser latina y mujer laborando en un mundo masculino y Anglo destacan más sus logros. Aqui la tenemos cantando "Mi Secreto". 




Su primer gran éxito seria “Júrame”, una habanera que fue grabada por el tenor-sacerdote mexicano José Mojica en 1927. Yo la prefiero en la voz de otro tenor mexicano y, por supuesto en la voz de El Sol.



“Te Quiero Dijiste” de 1930 fue otro éxito, aunque muchos la conocemos como “Muñequita Linda” que me la cantaban cuando yo era chica. Hacían bien, porque es otro tipo de amor el que expresa y es el que inspiran las criaturas. Ese tema lo compuso Doña Maria en su luto por la muerte de su hija Laurita, fallecida a los seis meses de edad.



Con el titulo original, esta muestra de cultura latina se infiltró en el cine hollywoodense en el clásico de Esther Williams,” Escuela de Sirenas”, donde la interpretó el barítono colombiano Carlos Julio Ramírez.



“Muñequita Linda” ha sido grabada por grandes voces como la de Nat King Cole, Connie Francis, Javier Solís, Linda Randstad y por no tan grandes como este dueto de Thalía y Robbie Williams.



Hay una versión en inglés titulada “Magic is the Moonlight” que aquí canta Rosemary Clooney, en 1960, acompañada de la Orquesta de Pérez Prado.



Otro éxito de La Grever en el mundo angloparlante fue “Ti-Pi-Ti P-Tin” de 1938. El original fue grabado en febrero de 1938 por Guy Lombardo y sus Royal Canadians. En ese año fue grabada con el refrán en castellano por Los Lecuona Cuban Boys, con letra en inglés por Las Hermanas Andrews y como instrumental por Benny Goodman.



Hubo versión en italiano de Enzo Aita, y varias del Tercer Reich, donde eran fanáticos por las canciones latinas. Incluyo la instrumental del gran Fud Candrix grabada en su Bélgica natal, en 1938. 





Lo extraordinario es que será en la Alemania Nazi donde la letra original de Maria Grever se escuchará por primera vez en español. La interpretó mi compatriota Rosita Serrano, en 1940, acompañada de la orquesta de Teddy Stauffer.

Ladrón de amor, me llaman

Por robarme tu cariño...



Lo más granado del swing nazi (Helmut Zacharias, Kurt Widman y Horst Winter) grabará versiones en alemán. En Italia, antes que la Gestapo las arrestara, las grabarín las hermanas del famoso Trio Lescano.



Este tema tan pegajoso, y que se seguirá escuchando en todos los idiomas en la posguerra, no volverá a tener versión en castellano hasta que Libertad Lamarque la incluya en la banda sonora de un filme mexicano que homenajea póstumamente a la compositora, “Cuando me vaya” en 1953.

Sin embargo, el éxito que le dio la inmortalidad a Maria Grever fue “Cuando vuelva a tu lado” que grabó la orquesta de Pedro Vía en 1934. La letra había sido escrita casi veinte años antes, durante un breve periodo en que La Revolución separó a Doña Maria de su esposo.

Esa maravillosa letra fue opacada por la versión en inglés de Stanley Adams que la títuló “What a Diferrence a Day Makes” que la Orquesta de los Hermanos Dorsey (Jimmy y Tommy todavía estaban juntos) convertiría en un éxito en noviembre de 1934.



Para los 40, este sería un estándar con grabaciones de famosas orquestas de swing como la de Benny Carter, Charlie Barnett. Sarah Vaughn la grabó en 1948, y Chet Baker en 1953 la convertiría en un instrumental para trompeta.  Pero es en 1959, en la voz de Dinah Washington que se convierte en un hit internacional.



Ese año, Gregorio Barros resucita la versión en español que en los 60 grabarán Javier Solís y Eddie Gorme. Hoy en día no se sabe cuál es más famosa si la versión en inglés (aquí les pongo la de Gloria Estefan del 2013) o la en español potenciada por la voz de Luis Mi en 1991.




Tanta fama no le evita a la compositora las desgracias. Como leía en  Jornada  en 1948 escuchando la interpretación de Néstor Chayres de una de sus canciones, Doña Maria se emocionó tanto que sufrió una hemorragia cerebral.  Quedó paralitica del lado derecho y eso no le impidió seguir viajando, trabajando y escribiendo canciones.

                               Doña Maria en silla de ruedas

Una de sus ultimas composiciones “Alma Mia”, es también mi favorita. “Alma Mia” fue escogida para la cortina de la telenovela de Televisa, “Soledad “(1980) puesto que su interprete era la protagonista. Con respeto a Doña Liber, maravillosa su versión, pero quiero incluir la de Natalia Lafourcade porque la grabó en un asilo de ancianos y resulta más conmovedora su letra entre estos abuelitos medio abandonados para quienes las canciones de Maria Grever fueron nuevas en su día.






Doña María falleció en 1951, tras una intervención quirúrgica. Había regresado a México en 1949 para recibir las llaves de la Ciudad de México. Ahí trabajo un tiempo de presentadora de la XETW y escribió sus memorias, pero siempre anduvo a caballo entre su patria y Nueva York donde murió.

Tras su muerte, y por pedido de ella, se trasladaron sus restos a México. Está enterrada en El Panteón de los Héroes.  Nunca renegó de su origen mexicano. Mantuvo amistad con Agustín Lara y Pedro Vargas. Amaba la música nativa de México, pero también el jazz moderno y creía que la mejor música es la que nace de una combinación equilibrada.  “Con la flexibilidad necesaria para hacer una llamada al oído universal”.

Hoy en su León natal se la recuerda con un monumento, una escuela que lleva su nombre y una placa en la casa que la vio crecer. Su opereta “Cantarito” estrenó en El Festival Cervantino en la primera década de este siglo. Hace 30 años, Lupita ‘D’alessio acarició el proyecto d convertir la vida de Maria Grever en telenovela. Creo que tal proyecto no se llevó a cabo porque Doña Maria llevo una vida sin escándalos que dieran sazón a una biopia.



 Fue hija de familia, esposa y madre devota. Aun así, incursionó en terrenos vedados a las ‘damas” y escribió canciones en las que se celebra el amor físico como no se atrevían a expresarlo las mujeres de entonces.

 

lunes, 1 de marzo de 2021

Aromas del Ayer: Flower by Kenzo



 

Una de las victimas sacrificadas al Covid el año pasado fue el famosísimo diseñador Kenzo Takada. A sus casi 90 años sucumbió al virus dejando tras de sí una trayectoria de modas y perfumería. No soy muy amiga de la perfumería de Kenzo, pero hago una excepción con el sutil Flower del que hablaremos ahora y que cumple su mayoría de edad este 2021..

Kenzo Takada nació en Japón en 1939.Pasó su infancia en una casa de té en la prefectura de Himaji.  A fines de los 50 estudió en la Escuela Bunka de Diseño de Tokio y en 1965 se trasladó a Paris a seguir los pasos de su ídolo Yves St, Laurent.  En 1970, abrió una tienda llamada Jungle Jap en la Galería Vivienne. Como su nombre lo indica, los diseños del japones eran una mezcla irreverente en la que Oriente y Occidente pretendían encontrarse en un show multicolor.

Usando como modelos turbantes, chaquetas Nehru y los kimonos de su Japón natal, Kenzo diseñaba prendas en telas estampadas de colores vibrantes. En 1970, la revista Elle le dedico una portada creando conciencia en el mundo de la moda de la existencia del vanguardista diseñador.




En 1977, cruzó el Atlántico y montó un espectacular show en la Studio 54, la icónica discoteca de Manhattan. Por la pasarela desfilaron sus vestidos modelados por las después famosas Jerry Hall y Grace Jones. Un año más tarde. Kenzo hacia caso a la policía de la corrección política y cambiaba el nombre de su boutique por simplemente “Kenzo”.



Hasta 1999, Kenzo diseñó vestidos de todo tipo conformando un inmenso emporio. Bianca Jagger y Catherine Deneuve se contaron entre sus clientas predilectas. Sus amistades más cercanas incluían a Andy Warhol y a Dame Elizabeth Taylor.

Como todo en su vida, Kenzo ingresó al negocio perfumero como quien emprende una aventura y no totalmente en serio. Así en 1980, aparecía King Kong, su primer fragancia. Todavía en el mercado, este perfume verde y cítrico fue uno más de los caprichos del diseñador. Al comienzo, la perfumería era un juguete nuevo, solo un hobby para experimentar. En esa onda nacerían Ca sent beau y Kenzo, en los 80.



Incluso se experimentó en el nuevo rubro con algo que luego sería una característica de la perfumería de Kenzo Takada, las botellas torcidas que aparecen por primera vez en el Kenzo pour Homme en 1990. En Parfum d’ete, el frasco es en forma de hoja y en Kenzo Jungle de 1996 un elefante dorado corona el envase.




Por ese entonces, y gracias a comerciales, yo ya reconocía los nombres de los aromas, pero al probarlos en las tiendas, seguían impresionándome más la belleza del envase que por esas fragancias deliciosas, pero efímeras. Un problema de los perfumes de Kenzo Takada es que por agradables que sean no duran mucho. Eso se aplica incluso a mi favorito, el legendario Flower.

Conozco personas que, sin ser clientes de determinadas fragancias, coleccionan esas botellas tan peculiares. Como las de Kenzo Amour (2006) que viene en una ánfora purpura con un cuello alargado, que recuerda a las esculturas de Brancusi. Es la imagen de esa pieza de arte la que recordamos más que el contenido, una mezcla definitivamente japonesa donde se privilegian los aromas de capullos de cerezo con el del arroz.



Otros frascos dignos de mencionarse son Tokio del 2009 que nos presenta un botellón similar al de Homme, negro e inclinado como una torre de Pisa, pero con un diseño que parece una lluvia de meteoros. O los exóticos cuyos nombres incluyen horario de citas “5:40 en Madagascar (2009), 11:00 en Sicilia (2011, etc. que vienen en frascos oblongos como mini peseras con una tapa que ha sido colocada descuidadamente en el borde como a punto de caer.



Aunque Kenzo contrataba perfumistas de renombre, él era parte del juego a la hora de diseñar el envase donde siempre privilegiaba lo más original. Eso es evidente en su perfume más icónico. Flower nació con el siglo en una época en que su creador se había retirado del negocio del diseño de moda.



Kenzo Takada dejó el negocio de la alta costura en 1999. En 1993 había vendido su marca a Louis Vuitton y ahora deseaba dedicarse al arte en su vejez. En el 2005, reapareció con nuevo proyecto, decoración. Comenzó a diseñar desde floreros hasta sabanas siempre mirando hacia el Oriente. En el 2019 volvió a la costura diseñando el vestuario de la producción de Madame Butterfly de la Opera de Tokio, y a fines de ese año, cuando ni sospechábamos que se venía un virus del cual el seria víctima, viajó a Dubái a diseñar el árbol navideño del hotel Mandarin Oriental Jumeira.

Activo hasta el final, Kenzo Takada estaba más que involucrado en la perfumería cuando solicitó de Alberto Morillas un perfume que evocase una flor sin olor, la amapola. También comisionó al artista Serge Mansau para que diseñase un frasco totalmente transparente, levemente torcido y cuyo detalle máximo fuese una amapola cuyo tallo parece flotar en la esencia y cuya flor se encierra en la tapa.



El cliente pasa más tiempo admirando la botella que lo que dura el perfume en su piel. Es un perfume muy simple en su combinación básica de rosa búlgara y violeta de Parma, con un toque de vainilla. Lo que hace a Flower un aroma exquisito es la inclusión entre sus ingredientes de esencia de flor de espino.

Nunca he olido una flor de espino natural. Le tengo respeto a la planta que en el folclore celta es propiedad de las hadas, por lo que me mantengo alejada, pero conozco sus propiedades medicinales. De hecho, les escribo insomne a las 4 de madrugada y acabo de tomar un Armonyl, un remedio de hierbas chileno cuyas propiedades recomiendo: una combinación exacta de valeriana, pasionaria y la flor de espino que también huelo en el mini frasquito de Flower.



 ¿Será por eso por lo que Flower tiene ese aroma hipnótico que parece encarnar la serenidad que todos buscamos? Lamentablemente este maravilloso perfume no tiene poder de duración.  Hay que remojar ropa y piel en el para que al menos por una hora sintamos la magia de Kenzo Takada cuyo espíritu durara más que sus fragancias.

 

 

 

jueves, 25 de febrero de 2021

Aromas de Ayer: Pani Walewska

 


En el mes dedicado a la series rusas, quería una fragancia rusa, pero ya en el 2019 compartí con ustedes los secretos de la perfumería de la ex Unión Soviética. Así que, siempre en onda eslava, me fui a Polonia a encontrarme con su fragancia más famosa y que este 2021 cumple medio siglo de vida. ¿Qué tipo de perfume es Pani Walewska, donde se consigue y quien fue la verdadera Pani Walewska? Vamos a responder esas interrogantes.

¿Quién es esta “señora “Walewska a la que la fábrica de cosméticos Miraculum buscó homenajear? El nombre pertenece a María Laczynzka, una joven de la alta sociedad polaca de la Era Napoleónica. Maria quedó huérfana los 8 años cuando su padre cayó en batalla durante la última partición de Polonia. A pesar de que su madre y siete hermanos quedaron casi en la miseria, la joven recibió una excelente educación con tutores y una estancia en un convento.

Era considerada muy hermosa y fue un shock para sus íntimos, cuando a los 18 años, Maria se casó con el maduro Conde Walewski, quien había sido chambelán del último rey de Polonia, Estanislao Poniatowski. La razón era que la novia tenía tres meses de embarazo, producto de un romance con un joven oficial. Walewski aceptó al pequeño Anthony como su hijo y heredero. En pago, Maria se convirtió en la esposa modelo: discreta, devota, muy religiosa.



Eran los días en que Napoleón se devoraba Europa y había iniciado una campaña hacia el este. En Polonia se soñaba que, tras derrotar al Sacro Imperio y al Oso Ruso, el Emperador de los Franceses devolviese el derecho al pueblo polaco de gobernarse así mismo. Fue en 1807, cuando en un baile en Varsovia, Bonaparte conoció a la Condesa Walewska y quedó prendado de ella.

Maria ni siquiera contempló la idea de una relación adúltera hasta que importantes dignatarios polacos se la aconsejaron. Empujada solo por el deber de inclinar a Napoleón hacia la causa polaca, Pani (Señora) Walewska aceptó convertirse en la amante del emperador. Lo que comenzó como deber, se convirtió en amor. Maria comenzó a seguir a su amante en sus campañas, a pesar de estar embarazada. En 1809 dio a luz a Alexander, a quien el Conde Walewski rápidamente reconoció como propio.

Napoleón cumplió con los deseos de su querida y estableció el Ducado de Varsovia, un primer paso para el regreso del reino polaco. Maria se estableció en Paris para estar cerca del emperador, y el pueblo comenzó a llamarla “La Reina Polaca”. Sin embargo, Bonaparte tenía otros planes. Inició los trámites para divorciarse de la estéril y casquivana Josefina, pero no para unirse a una condesa casada. Quería legitimar su imperio produciendo hijos de sangre real, para eso iba casarse con la joven y virginal María Luisa, hija del Emperador de Austria.



Pani Walewska aceptó que su destino no era seguir on Napoleón quien la dotó generosamente con propiedades y dinero. Aun así, Maria siguió siéndole devota incluso después de las derrotas que acabaron con el Imperio Bonaparte. La Condesa y el pequeño Alexander visitaron al emperador en su destierro en la Isla de Elba.

Para poder ser independiente, y aprovechando las leyes del recién creado Código Napoleón, Pani Walewska se divorció. Pero la medida era solo para asegurar su capacidad de controlar sus muchos bienes sin tener que consultar a su marido. Maria siempre estuvo agradecida al Conde y se consideró casada ante los ojos de D-s con él. Fue solo tras la muerte de Walewski (y de Napoleón) que la Condesa se casó con un primo de los Bonaparte el Conde Philippe D’Ornano.

A pesar de no ser tan joven, Maria quedó embarazada y murió poco después del nacimiento de su hijo Rodolfo, debido a complicaciones renales. La familia D’Ornano, descendientes directos de Pani Walewska, también se han dedicado a la perfumería siendo creadores de la línea Sisley.



De los otros hijos de la Condesa Walewska, Anthony murió sin descendencia por lo que el titulo y las tierras de los Walewski pasaron a manos de Alexandre. Debido a eso, el nuevo Conde Walewski insistió siempre en ser hijo del marido de su madre y no tener nada que ver con Napoleón. Una ironía puesto que el pertenecer a la Familia Bonaparte, le acarreo muchos beneficios en el mundo de la política y diplomacia durante el reinado de su primo Napoleón III.

Otra ironía es que Napoleón abandonó a María en pos de un hijo legítimo y con sangre real, pero el príncipe que tuvo con Maria Luisa, murió joven y sin hijos. Los únicos descendientes directos de Napoleón Bonaparte nacieron del producto de sus amores con Pani Walewska.

Otra ironía en esta fábula pletórica de ellas es que el joven Alexander se casó dos veces, ambas con nobles señoras, Lady Catherine Montagu y la Condesa Anna Maria Ricci, pero de sus muchos hijos solo llegaron a la madurez las hembras. Al final, su título y sus propiedades pasaron también a un bastardo, el que tuvo con la judía Rachel Félix, considerada la mejor actriz de su época. Así que los descendientes de Napoleón siempre han tenido que apoyarse en el producto de relaciones extramaritales.

En el 2003, finalmente se hicieron las pruebas de ADN que demostraban que los Walewski-Colonna descienden de Napoleón. Ahora hasta tienen un sitio web para hablar de su ilustre ancestro. Maria Walewska ha sido inmortalizada en media docena de filmes y libros, siendo mi preferida la visión de Hollywood de 1934 con Greta Garbo como la Condesa y Charles Boyer como Napoleón.



Quienes siempre la han recordado y celebrado han sido los polacos. Una manera de honrarla ha sido un biscocho nacional que lleva su nombre y recuerda a la Torta Beatriz que hacen en Chile. Como ese pastel, la Pani Walewska va rellena de dulce de frambuesas y crema pastelera y decorada con almendras fileteadas.La diferencia es que no es mil hoja sino de masa esponjosa y en vez de ir cubierto de crema Chantilly, va embetunado en merengue. Qué lástima que no exista en USA.



Sin embargo, existiría otro espacio donde se la homenajearía de un modo menos engordador. Fue en 1971, cuando Polonia formaba parte de la órbita soviética, que nació este perfume producto de la nariz de Halina Sybilska. Fue fabricado en la legendaria compañía Miraculum, fundada en Cracovia en 1924 por el Dr. León Luster. Acabada la Segunda Guerra Mundial, el gobierno comunista de Polonia expropió la firma y fue bajo su mando que nació Pani Walewska. 



 En su encantador envase, una ánfora azul orquídea, se hizo pronto muy popular en Polonia, pero también en la Unión Soviética y otros países de la Europa de Este. La apodaban “El Chanel Polaco”. Miraculum creó una crema para acompañarla.

La caída del Muro de Berlín concentró la venta de Pani Walewska en el territorio polaco y por un tiempo fue difícil de adquirir. Es un perfume muy básico, rosa, jazmín y lirio del valle, pero un exceso de aldehídos le da una acidez que no me resulta cómoda.



En este siglo Miraculum se fusionó con Kolastyna convirtiéndose en un equivalente polaco de L ‘Oreal. Ahí se decidió volver a hacer circular la fragancia por el mundo. Para eso la compañía comenzó a crear diferentes versiones del perfume todas en ánforas de diversos colores. La nueva versión de Pani Walewska en su conocido envase azul crepúsculo reapareció hace diez años.

Lo seguirían Chic en botella color rubí y en el 2014, Pani Walewska Noir en un frasco, obviamente, color ébano. Ambos son cítricos ‘rosáceos” nada muy especial. En realidad, el color de los envases es lo más llamativo.



Diferente es Sweet Romance del 2015. Su aroma combinado a peras y orquídeas con un toque de almendras hace este frasco de tono rosado el mejor de la colección, solo superado por el White que estoy usando ahora en febrero.



El White es una exquisita combinación de flores bancas (azucena, lirio del valle y jazmín) con vainilla. Gold es rosa con lirio del valle, pero opacado por esas manzanas rojas de cuentos rusas, me recuerda al Or des Scythes de Novaya Zarya.

La última adición, y ha sido en frasco carmesí, es Ruby, cuya mayor característica es que su base es una combinación de mermelada de frutos rojos y de palomitas de maíz. No lo ha probado todavía así que solo puedo imaginarme el tufillo.



Los productos Pani Walewska pueden conseguirse en Amazon por precios entre $20 y $40. Dicen que en Polonia son más baratos y ya se les considera perfumes poco serios apropiados para jovencitas o abuelitas. Aun así, los recomiendo.



lunes, 22 de febrero de 2021

Música del Ayer: Mama Cass y Dream a Little Dream of Me

 


En este mes de febrero celebramos el cumpleaños de mi querido Rafael Ochoteco y su solicitud cubre un tema que él conoció como el usado por la serie de HBO, del 2020, “The Undoing”. Le sorprendió saber que esta canción fue escrita en 1931 y que, en casi un siglo de vida, ha tenido muchos renaceres y mucha fama principalmente por la interpretación de la legendaria Mama Cass. Vamos a conocer su historia.

Fue en 1931 que el mundo escuchaba por primera vez los acordes de “Dream a Little Dream of Me”” (Sueña un poquito conmigo).  Grabada por la orquesta de Ozzie Nelson, la canción había sido escrita por Gus Kahn con música de Fabien André. Tuvo un éxito moderado en los 30 siendo grabada por Wayne King, unos días después de la grabación original. La versión de King llegó al primer lugar del HIt Parade.




Casi 20 años más tarde, la canción volvería a oírse en la radio. En 1950 la grabó Dinah Shore y la siguieron las voces de Ella Fitzgerald, Frankie Lane, y Doris Day, entre otros, convirtiendo al tema en un estándar de los repertorios de música romántica.



A pesar de llevar más de 30 años al aire, “Dream a Little Dream” alcanzo su fama más alta en la Era Hippie. ¿Parece irónico no?  El que haya triunfado en tiempos del prosaico amor libre, gracias al grupo más psicodélico del momento, y a la voz de una gordita que pocos se imaginarían como símbolo del amor romántico que describe la letra.

Dame las” Buenas Noches” y bésame

Abrázame fuerte y di que me echarás de menos

Mientras me quedo sola y triste como solo yo puedo estarlo

Sueña un poquito conmigo.

Antes de hablar de como un viejo estándar se convirtió en un éxito mundial, hay que hablar de The Mamas and The Papas, y de su integrante más fascinante, Mama Cass. Nacida en Baltimore, Ellen Naomi Cohen llevó la vida típica nómada, y con periodos de pobreza, de los hijos de emigrantes judíos. Aun así, terminó la secundaria e incluso tuvo un año de estudios universitarios, pero desde la escuela que soñaba con dedicarse al teatro musical. Se marchó a Nueva York donde hizo un tur con la producción de Broadway de The Music Man, pero fue en la Universidad en Washington que decidiría dedicarse a la canción.

Junto con Tim Rose y James Hendrickscon el que se casaría en 1963 formó un grupo de música country llamado The Big 3. En 1963 se les unió Denny Doherty que sería el amor platónico de quien era ya conocida como Cass Elliott. Fue Doherty quien en 1964 presentó a Cass con el matrimonio formado por John y Michelle Phillips.

                                              Mama Cass y Denny Doherty

Los Phillips estaban por organizar un nuevo grupo musical, querían a Doherty con ellos, pero John tenía dudas respecto a Cass. No le gustaba su temperamento fuerte y menos que fuese gorda. Se dice que en las primeras presentaciones el público le gritaba “Gordiflona” a Mama Cass. Michelle Phillips hasta hoy rebate esa historia, alegando que ella hubiese golpeado a quien se hubiese atrevido a ofender a su amiga del alma. Lo cierto es que Cass Elliot fue toda su vida artística lo que hoy llaman obesa mórbida, llegando a pesar en 1968 (tras el nacimiento de su hija) 300 libras/138 kilos.

                                           Mama Cass y Owen Vanessa

La elección del nombre del grupo también recayó en Cass que literalmente llevaría la voz cantante. Al ver que, en las pandillas de motociclistas, a las mujeres se les conocía como “mamas” decidió que ella y Michelle serian “Mamas” y John y Denny serían “Los Papas”. Hoy The Mamas and The Papas son una leyenda, creadores del sunshine pop californiano (Junto con los Beach Boys), y símbolos de la Era Hippie.

Lo fantástico es que, a pesar de durar juntos menos de cuatro años, ganaron un Grammy y recaudaron 40 millones de fans en todo el mundo con canciones icónicas como “California Dreamin’” “Monday, Monday” y “I Saw Her Again”.



En el 68’, Mama Michelle, cuyo padre había sido amigo de Fabien André, trajo al repertorio, “Dream a Little Dream of Me”. Mama Cass fue la que más protestó ante esa inclusión en su repertorio. Consideraba que la canción era camp y no representaba la onda musical del grupo. Sin embargo, se decidió que sería un solo para la gordita.

Se trabajó un nuevo arreglo musical que combinase lo moderno con la melodía de los 30. Mama Cass dijo que quiso cantarla como si fuese la primera vez que se grababa la canción. Y para muchos que la escuchamos por primera vez a fines de los 60, fue la única versión o la definitiva.

Hasta entonces, Mama Cass había sido el miembro favorito del grupo, pero ahora fue vista como una prometedora solista y la mejor voz de The Mamas and The Papas. He estado peleando con mi hermano (Michelle Phillips siempre ha sido su chongo) que me discute que Mama Michelle tenía mejor voz. Lo cierto es que Mama Cass es la más recordada, su versión de “Dream a Little Dream of Me” la más admirada y, en lo que poco que le quedaba de vida, tendría más carrera como solista que sus compañeros que la sobrevivieron (solo queda viva Mama Michelle).



Voy a detenerme un segundo para hablar de lo que significó Mama Cass en la cultura o “contracultura” de la Era Hippie. Entonces (y hoy) impresionaba su desplante, carácter y carisma. Aún más el que estuviera todo eso encerrado en un en cuerpo imperfecto. Yo creo que hubo un momento en el mundo, entre 1964 y 1974, que lo IN era ser feo o físicamente imperfecto como lo demostraron Ringo Starr y Barbra Streisand. Mama Cass era la heredera de mujeres que habían triunfado a pesar de su sobrepeso como Mae, West y Sophie Tucker. La diferencia es que Cass era un ídolo de jóvenes, sobre todo las descontentas con su físico.

Para cuando Mama Cass grabó “Dream a Little Dream” tenía 26 años, pesaba 285 libras/172 kilos y parecía imparable. Acababa de divorciarse, tenía enfrente una carrera como solista, era ídolo de millones de jóvenes, se creía que su hija era el producto de una liaison con John Lennon (en realidad, Owen es hija del guitarrista de Blues, Chuck Day) y hasta había posado desnuda. Como dijo su ex manager Bobby Roberts: “era gorda, pero se comportaba como una reina de belleza”.



Cuando pienso que, a mis 26 años, con 64 kilos, me sentía Ilirio Mopatis y no había hecho ninguna de esas cosas, el ejemplo de Mama Cass me hace sentirme humilde. Y, sin embargo, la vida y muerte de Mama Cass están vinculadas a su obesidad, o peor a la incapacidad de manejarla. Eso fue algo que sus fans descubrirían mucho más tarde. A pesar de que ya en su famosa entrevista a Rolling Stone en 1968 habló de que, siendo gordita desde los 7 años, toda su vida adulta había estado marcada por ese factor, sobre todo en lo sentimental.



En 1968, tras tremendas peleas entre Papa John y Mama Michelle por las infidelidades de ella, el grupo se disolvió. Mama Cass es la que mejor saldría de esa crisis. Tras la grabación de su primer álbum como solista que (obvio) se llamó Dream a Little Dream, se preparó para una presentación triunfal en el Ceasar’s Palace de Las Vegas.

Para ese espectáculo, la cantante estaba determinada a bajar de peso. En los seis meses que precedieron al evento, Cass literalmente se mató de hambre. Cuatro días a la semana bebía solo agua y jugo de naranja. Los fines de semana comía un poco de queso cottage en la mañana y en la noche se servía un bistec con verduras hervidas.



Bajó 110 libras/50 kilos, pero en el camino se abrió una ulcera en el estómago, se despellejó la garganta, quedó con las cuerdas vocales sangrando. Lo más grave, debilitó su corazón de una forma irreparable. Desde ese momento, Mama Cass comenzó a vivir en tiempo prestado.

Hay otro factor en la destrucción de su cuerpo. Yo he hecho esa dietas locas, pero nunca me han durado más de una semana. Lo que sí sé es que ese efecto yoyo no solo te lleva a engordar más, sino que te jode el metabolismo, pero en el caso de Cass Elliot, existía algo más grave. Se supo tras su muerte aunque los rumores corrían en vida de ella que, para apuntalarse, en los días de inanición se inyectaba heroína.

Hay que ser realistas, el mundo de la música, principalmente el del rock psicodélico de los cuales The Mamas and de Papas formaban parte, se sustentaba de drogas. Mama Cass fumaba marihuana, en sus fiestas en su mansión de Laurel Canyon se jalaba cocaína, y su primera experiencia con LSD fue con Los Philips, pero aun en esa escenario, la heroína era mal mirada. Nunca he leído ni oído que Cass fuese drogadicta. La heroína entraba en su vida solo cuando deseaba bajar de peso, pero ayudó al desgaste de su corazón y hasta le provocó una hepatitis.



En octubre del 68, Mama Cass era un desastre físico, pero lo único que le importaba era que había bajado de peso para su noche inaugural. Ese día comenzó bien, el espectáculo estaba vendido totalmente. Habían volado a Vegas luminarias como los miembros del Rat Pack, Liza Minelli y otros, Mia Farrow le había llenado el camerino de flores…y Mama Cass volaba de fiebre con una amigdalitis aguda. A pesar de lo mal que se sentía, insistió en salir al escenario. No pudo cantar, fue un cataclismo. Tenía las amígdalas inflamadas y no pudo cumplir con el contrato de tres semanas.

A pesar de esta triste experiencia, Mama Cass siguió adelante. Lo que no siguió adelante fue su dieta. Debido a la extirpación de las amígdalas y otros problemas de garganta, empezó a alimentarse con un tipo de malteada que la volvió a hacer subir de peso.

En otros frentes, seguía cosechando éxitos. Su segundo LP de solista Make Your Own Kind of Music fue un éxito con el tema homónimo llegando al sexto lugar de Billboard. Esta preciosa canción sigue siendo reconocida como recordarán los Dexter fans. Un episodio de la serie lleva ese nombre y se oye la canción durante el capítulo.” Lost” también hizo uso de esa canción.






Aunque sus últimos dos álbumes Cass Elliott y The Road is not a Place for a Lady no serían tan exitosos, Cass Elliot luchaba por no ser olvidada y por reinventarse una imagen. Hizo dos especiales de televisión, y apareció en cuanto programa la invitase, llegando a co-presentar el “Tonight Show” junto a Johnny Carson.

Siguiendo el ejemplo de Mama Michelle, Mama Cass le entró a la actuación y apareció en muchas series como el “Dr. Kildare” y “Amor al Estilo Americano”. Trabajó en un programa de concursos y hasta hizo un jingle para la compañía de comida rápida Hardee’s.  ¡En medio de este vertiginoso ritmo de trabajo, Cass se convirtió en baronesa! En 1971, se casó con el Barón Donald von Wiedenman de una noble familia bávara. El matrimonio duró poco, pero para los fans quedaba la impresión de que su ídolo podía hacer lo que se le antojara y lo que se propusiera.

                                               Mama Cass y su segundo marido

Fue en 1973 que el nuevo manager de Cass Elliot, Alan Carr, decidió crearle una nueva imagen, convertirla en una emula de Sophie Tucker, una reina de los cabarets. Así, Cass volvió a reinar, pero ahora en los escenarios de los más prestigiosos establecimientos de Estados Unidos. Su repertorio varió y siguiendo la pauta que le dejo “Dream a Little Dream of Me’ incorporó a sus actos famosos estándares de la Era del Jazz para los que su voz delicada era idónea.



En 1974, recibió una oferta para dos shows en el Palladium de Londres. Cantó ante una casa llena que la ovacionó de pie. El 29 de julio de 1974, Cass llamó a su amigocha del alma, Mama Michelle, en Los Ángeles para contarle los detalles del concierto. Estaba muy emocionada. Esa noche, la cantante asistió a una fiesta dada por Mick Jagger. Los invitados (entre los que se contaban Debbie Reynolds y su hija Carrie Fisher) recordarían más tarde que Cass ni bebió ni probó drogas.

De madrugada, Cass regresó al departamento que le rentaba al cantante Harry Nilsson. Otras personas también vivían en el piso y la vieron dormida. Decidieron dejarla descansar, pero el paso de las horas sin ella reaccionar, los obligaron a acercársele y descubrieron que Cass Elliott ya no estaba en este mundo.



El imbécil del médico que certificó la muerte de Mama Cass combinó en su cabeza la gordura de la difunta más un sándwich (intocado) en la mesita de noche y decidió que la cantante había muerto atragantada con comida y su propio vomito. Esta infame leyenda sigue circulando hoy en día (en Rolling Stone la incluyeron en el obituario) a pesar de haber sido comprobado que era falsa.

Antes del entierro, a Cass Elliot se le practicó una concienzuda autopsia. No se encontraron residuos ni de alcohol ni de drogas en su cuerpo. No se encontraron cuerpos extraños ni señales de vomito en su tráquea. De hecho, se encontró muy poca comida en su estómago. Cass Elliot falleció de una mixtura de emociones positivascomo decía mi madre “reventó de felicidad” y de un corazón debilitado por dieta y heroína.



He sacado o cotejado los detalles de su extraordinaria vida de su biografía oficial escrita por Eddi Fiegel y titulada (What else?) Dream a Little Dream of Me. Esa canción llegó a estar tan asociada con Mamá Cass que el público olvidó que ya llevaba treinta años circulando antes que cayese en manos de The Mamas and The Papas. Fue la versión de Mama Cass la que la hizo famosa en el mundo entero y la que motivó covers en diferentes idiomas.



Apenas unos meses después que por primera vez el mundo conociese la versión Mama Cass de “Dream a Little Dream of Me” se graba en francés con letra de Hubert Ithier bajo el título de “Quand je reve c’est de toi” (Cuando sueño es contigo) y la interpreta la polaca Krystyina Kornazka.



Será una de las tres adaptaciones al francés. Les dejo la última escrita por Enzo Enzo en 1990 “Les Yeux ouverts” (Los ojos abiertos) cantada por la recientemente desaparecida Sylvie Vartan.



Curiosamente, en 1969, Vartan será la encargada de interpretar la versión en italiano “Nostalgia”. En 1969 se harán covers en checo y en danés. En Brasil la cantará El Trio Esperanca y se llama “Um Lindo Sonho”.




Ese mismo año, Augusto Alguero escribe una letra en español (Sueño que estoy junto a ti) para que la cante Caterina Valente.Yo prefiero la adaptación que le hizo Víctor Manuel a su mujer en 1988. Aquí tienen a Ana Belén cantando “Sueño en Gris”



Todas estas canciones nacen del éxito de la versión Mama Cass. Aunque amo el dueto Tony Bennett y KD Lang del 1992, no hay cover que la opaque.



En el 2015, Margot Bingham, en su rol de Daughter Maitland, la cantó en “Boardwalk Empire”, pero, aunque es una gran interpretación que se vuelca a los ritmos originales de los Años 30, sigue quedando un escalón debajo de la versión Cass Elliot.



Es tan fuerte la asociación entre cantante y canción que Barry Manilow en el 2015 ha hecho un dueto (postmortem) con Mama Cass para poder interpretar mejor “Dream a Little Dream of Me”.



Pero ha sido en la pandemia que el tema ha resucitado y sonado como nuevo para Millenials y Zetas. Nicole Kidman tiene una hermosa voz, pero no se ha ocupado en explotarla a pesar de su aclamado esfuerzo en “Moulin Rouge”, un cover of “Somehing Stupid” para un disco de Robbie Williams, y que haya cantado un par de temas en la película animada “Happy Feet”

Este 2021, se espera que reabra el género musical en el cine con “The Prom”. Entretanto, grabó en plena cuarentena el tema de “The Undoing” la serie de HBO. Al comienzo, Nicole se negó, más que nada porque implicaba viajar a Estados Unidos a un estudio de grabación, pero acabó grabándola en el subterráneo de su casa de Australia. Y es esta versión casera de “Dream a Little Dream of Me” la única que creo puede rivalizar con la de Mama Cass. Óiganla y luego díganme si me equivoco.